Marmorstatue: skulpturens historie, de største billedhuggere, verdensmesterværker, fotos

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-17 05:31

Hvid marmor er det mest frugtbare materiale til skulpturelle værker, der afbilder mennesker. Den er så blød, at den egner sig godt til fræseren, men samtidig er den tæt nok til at tillade udskæring af de fineste detaljer og perfekt acceptere slibning. Marmorstatuen formidler bedst menneskekroppens følelsesmæssige tilstand, sensualitet og anatomiske perfektion. Det antikke Grækenlands billedhuggere var de første til at bringe skulpturkunsten til et sådant niveau, da det begyndte at se ud til, at en død sten begyndte at komme til live og fik smukke konturer. Siden da har kunstnere fra andre tidsepoker konsekvent forsøgt at forbedre teknikken til marmorskulptur for at udtrykke deres høje ideer så levende og figurativt som muligt, for at formidle upåklagelige former og dybden af menneskelige følelser.

Hvorfor marmor?

Siden oldtiden har egypterne i vid udstrækning brugt forskellige typer sten til fremstilling af skulpturelle former, såsom sort obsidian og bas alt, grøn-brun diorit, lilla porfyr, blød calcitalabast, kalksten. Siden antikken er statuer blevet skabt af bronze og legeringer. Så hvorfor er det, at marmor er så værdsat af kunstnere, og hvorfor virker værker fra dette materiale næsten levende?

Ligesom alabast, hvis tynde plader transmitterer lys godt, er marmor sammensat af calcit og bevarer også en vis lystransmission. Nogle fløjlsbløde teksturer danner ikke kontrasterende højlys og skarpe dybe skygger, der er iboende i metal, og producerer et blødt spil af lys og skygge. Skulpturmarmor har en tæt struktur og den letteste tone, som sammen med glat polering af materialet reflekterer lyset godt i modsætning til farvede sten. Alle disse kvaliteter giver i højere grad indtryk af levende kød i marmorskulpturer end dem, der er skabt af andet materiale.

Skulpturel marmor indeholder den mindste mængde urenheder, hvilket påvirker ikke kun den næsten hvide farve, men også stenens ensartethed. Det er et plastmateriale, der er nemt at bearbejde, men tæt og hårdt nok til at undgå sprækker og revner, så du kan regne ud de mindste detaljer. Derfor foretrækkes marmor især af billedhuggere.

Antiquity

Den antikke græske skulpturkunst nåede sit højdepunkt i det 5. århundrede f. Kr. På det tidspunkt udviklede de grundlæggende teknikker, teknikker, matematiske beregninger, der var nødvendige for fødslen af statuer. Der er dannet et særligt system af proportioner, der definerer idealet om den menneskelige krops skønhed og er blevet en klassisk kanon foralle generationer af kunstnere. I løbet af et århundrede nåede den græske skulpturs håndværksmæssige niveau perfektion. Men statuerne fra den periode var for det meste lavet af bronze og træ med guld og elfenben trim. Marmorstatuer dekorerede hovedsageligt templernes frontoner, friser og ydervægge, oftest i form af relieffer, basrelieffer og højrelieffer, det vil sige delvist nedsænket i baggrundsplanet.

Fra det 4. århundrede f. Kr. er Grækenlands skulpturelle værker præget af en særlig plasticitet af positurer, overførslen af sensualitet, drama og splejsning, for hvis legemliggørelse mestrene begyndte at foretrække marmor. For at ophøje skønheden i menneskelige følelser og kroppen, skabte de store gamle billedhuggere "levende" marmorstatuer. I de største museer i verden beundrer folk den dag i dag perfektionen af udskårne former og det virtuose arbejde af kunstnere som Scopas, Praxiteles, Lysippus, mindre kendte billedhuggere og dem, hvis navne historien ikke har bevaret. Klassiske værker fungerer i mange århundreder som en akademisk standard, som helt op til den moderne kunsts periode blev fulgt af alle generationer af billedhuggere.

middelalder

Det er forbløffende, hvor hurtigt med fremkomsten og udviklingen af kristendommen, resultaterne af de gamle kunst og videnskaber blev overgivet til glemsel. Billedhuggeres høje dygtighed blev reduceret til niveauet for det sædvanlige håndværk for uduelige udskærere. Så tidligt som i slutningen af det 12. århundrede, ret rå og primitive statuer, ikke helt udskåret og adskilt frafundamentet forblev en del af stenblokken, som var monteret i templets væg. Fritstående figurer optræder kun fra det 13. århundrede, men med udtryksløse ansigter i indskrænkede statiske positurer, ligesom arkaiske idoler, forblev de blot en arkitektonisk tilføjelse. Nøgen natur og afspejling af sensualitet bliver uacceptabel, de klassiske principper om skønhed og proportioner er glemt. Ved fremstillingen af en marmorstatue er der mere opmærksomhed på tøjets folder og ikke på ansigtet, som fik et frosset udtryk af ligegyldighed.

Renaissance

Forsøg på at genoplive skulpturens tabte viden og færdigheder, for at skabe en teoretisk base af teknikker, begyndte i slutningen af det XII århundrede i Italien. Med begyndelsen af det XIII århundrede på Appenninerne halvøen blev Firenze centrum for udvikling af kunst og kulturel indflydelse, hvor alle talentfulde og dygtige håndværkere skyndte sig. Samtidig åbner den første store skulpturskole i Pisa, hvor kunstnere studerer og genopdager lovene for gammel arkitektur og skulptur, og byen bliver til centrum for klassisk kultur. Statuefremstilling er ved at blive en disciplin i sig selv, snarere end en mindre tilføjelse til arkitekturen.

Det 15. århundrede var en total periode med forandring i kunsten. Kunstnere genopliver og tager som standard de love om proportioner og skønhedskanoner, der blev anerkendt i antikken. I bronze- og marmorstatuen stræber billedhuggerne igen efter at afspejle menneskelige følelser med ædle og sublime, at formidle følelsernes subtile nuancer, at gengive illusionen af bevægelse og at lette figurernes positurer. Disse egenskaber kendetegner arbejdet af Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio og den største mester Donatello.

Højrenæssance

Den korte fase af renæssancen kaldes højrenæssancen, den dækker de første tredive år af det 16. århundrede. Denne korte periode viste sig at være en eksplosion af kreativt geni, der efterlod uovertrufne kreationer og påvirkede dannelsen af yderligere tendenser inden for kunst.

Italiensk skulptur i sin udvikling nåede sit klimaks, og dets højeste punkt var værket af den største kunstner og billedhugger gennem tiderne - Michelangelo. Marmorstatuen, som kom ud af hænderne på denne talentfulde mester, kombinerer den høje kompleksitet af sammensætningen, den perfekte tekniske behandling af materialet, den perfekte visning af den menneskelige krop, dybden og sublimitet af følelser. Hans værker udstråler en følelse af spænding, skjult kraft, kolossal åndelig styrke, de er fulde af ædel storhed og tragedie. Blandt mesterens skulpturelle værker anses "Moses", kompositionen "Kristi klage" ("Pieta") og en marmorstatue af David som en stor bedrift af menneskelig genialitet. Ifølge kunsthistorikere kunne ingen efter Michelangelo gentage noget lignende. Kraftig, for fri og ekstremt individuel stil på grund af kunstnerens enorme talent og var uden for rækkevidde af hans mange elever, følgere og imitatorer.

barok

På fasen af den sene renæssance, kaldetmanér, en ny stil dannes - barok. Den er baseret på den absolutte klassicismes principper, men de skulpturelle former mister deres tidligere enkelhed af linjer, oprigtighed og adel i ideen. Karakterernes positurer får overdreven forstillelse og manerer, indviklede kompositioner kompliceres af et overskud af detaljer, og de udstillede følelser er teatralsk overdrevne. De fleste billedhuggere, der jagtede den ydre virkning, søgte kun at vise udførelsesevnen og deres rige fantasi, som kom til udtryk i det omhyggelige studium af talrige detaljer, prætentiøsitet og dybe former.

Denne periode er dog præget af ekstrem fin, næsten smykketeknik og dygtighed i marmorbeklædning. Fremragende billedhuggere som Giovanni Bologna (en elev af Michelangelo), Bernini, Algardi formidlede mesterligt indtrykket af bevægelse og ikke kun meget komplekse, til tider tilsyneladende ustabile, kompositioner og positurer af figurer, men også fremragende udskårne, som glidende folder af klæder. Deres værker er meget sensuelle, de virker perfekte og påvirker beskuerens dybeste følelser og fanger hans opmærksomhed i lang tid.

Det menes, at stilen varede indtil slutningen af det 18. århundrede og også manifesterede sig i andre retninger. Men i det 19. århundrede, hvor kunstnere kun gengav kunstens tidligere stadier, kom barokke træk ofte til udtryk i skulpturen. Sådan et fantastisk eksempel er marmorstatuer med slør af den italienske mester Rafael Monti, som skabte den utænkelige illusion af et gennemsigtigt slør af sten.

Konklusion

Igennem det 19. århundrede var marmorstatuen stadig under absolut indflydelse af den strenge klassicisme. Siden anden halvdel af århundredet har billedhuggere ledt efter nye udtryksformer for deres ideer. På trods af realismens hurtige udbredelse i maleriet, da kunstnere søgte at afspejle livets sande virkelighed, forblev skulpturen i lang tid i grebet af akademisk og romantikk.

De sidste tyve år af århundredet var præget af en realistisk og naturalistisk tendens i de franske billedhuggeres værker Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Men hovedsageligt stod geniet Auguste Rodins værk, der blev forløberen for moderne kunst, ud. Hans modne værker, som ofte forårsagede skandale og blev kritiseret, legemliggjorde træk ved realisme, impressionisme, romantik og symbolisme. Skulpturerne "Citizens of Calais", "Tænkeren" og "Kysset" er anerkendt som verdensmesterværker. Skulptur af Rodin er det første skridt mod formerne for de kommende trends i det 20. århundrede, hvor brugen af marmor gradvist blev reduceret til fordel for andre materialer.