Belcanto er en teknik til virtuos sang. Vokal træning. operasang

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-17 05:31

Lange linjer af musikalske fraser, melodiske passager og ynder, fantastisk stemmekontrol og finpudset skønhed af virtuos sang. Ved overgangen til det 16.-17. århundrede opstod en sangskole i Italien, som gav verden en udøvende vok alteknik, som italienerne, grådige til prætentiøse udtryk, gav navnet bel canto (bel canto) - "smuk sang". Lad os ikke overdrive, idet vi markerer denne periode som begyndelsen på den teatralske vokals storhedstid og udgangspunktet for den videre udvikling af operagenren.

The Birth of Opera: Florence

De første operaer, der dukkede op i den beskrevne tidsperiode, skylder deres fødsel til medlemmer af en lille kreds af elskere af gammel kunst, dannet i Firenze og trådte ind i musikhistorien under navnet "Florence Camerata". Fans af den antikke græske tragedie drømte om at genoplive denne genres tidligere herlighed og var af den opfattelse, at skuespillerne ikke t alte, men sang ordene ved hjælp af recitativ, en melodisk jævn overgang af lyde, for at gengive teksten.

De første værker skrevet om handlingen i den antikke græske myte om Orpheus blev drivkraften til fødslen af en ny musikalsk genre- operaer. Og de solo-vokale dele (arier), der fungerede som dens integrerede del, tvang sangerne til for alvor at engagere sig i stemmetræning, hvilket var årsagen til fremkomsten af kunsten at smuk sang - bel canto. Dette indebar evnen til at fremføre dvælende melodiske fragmenter med et langt åndedrag og samtidig opretholde en jævn lydproduktion gennem hele den musikalske sætning.

neapolitansk skole

I slutningen af det 17. århundrede blev den napolitanske operatradition dannet, som endelig etablerede bel canto-kunsten på teaterscenen. Det var både en udvikling af den florentinske idé og en ændring af den. I Napoli blev musik og sang hovedbestanddelen af forestillingen, og ikke poesi, som indtil da havde fået den dominerende rolle. Denne nyskabelse glædede publikum og vakte stor entusiasme.

Neapolitanske komponister forvandlede operaen strukturelt. De opgav ikke brugen af recitativer, som de opdelte i forskellige typer: akkompagneret (akkompagneret af et orkester) og tørre, indeholdende information præsenteret på en dagligdags måde til sjældne cembalo-akkorder for at opretholde musikalsk tonalitet. Vok altræning, som blev obligatorisk for kunstnere, øgede populariteten af solo-numre, hvis form også undergik ændringer. Der opstod typiske arier, hvor personerne udtrykte følelser på en generaliseret måde, i forhold til situationen, og ikke ud fra billedet eller karakteren. Sorgsomme, narre, hverdagsagtige, lidenskabelige, hævn-arier - det indre rum i den napolitanske opera var fyldt med livligt indhold.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Enestående komponist og entusiast Scarlatti gik over i historien som grundlæggeren af operaskolen i Napoli. Han skabte mere end 60 værker. Genren af seriøs opera (opera seria), skabt af Scarlatti, fort alte om berømte heltes liv ved hjælp af et mytologisk eller historisk plot. Operasang skubbede den dramatiske linje i forestillingen i baggrunden, og recitativer gav plads til arier.

Det brede udvalg af vokalpartier i seriøs opera udvidede kravene, som operastemmer skulle opfylde. De optrædende forbedrede sig i sangkunsten, selvom det nogle gange førte til nysgerrighed - hver af dem ønskede, at komponisten skulle inkludere arier i operaen, der positivt ville understrege stemmens værdighed. Resultatet blev en samling af ikke-relaterede solo-numre, hvilket førte til, at operaserien blev omt alt som en "kostumekoncert".

Skønhed og håndværk

Et andet bidrag fra den napolitanske operaskole til udviklingen af bel canto var brugen af ornamentale (koloratur) dekorationer af den musikalske palet i vokalpartierne. Coloratura blev brugt i slutningen af arier og hjalp de optrædende med at demonstrere for publikum graden af stemmekontrol. Store spring, triller, afvigende passager, brugen af sekvens (gentagelse af en musikalsk frase eller melodisk vending i forskellige registre eller tonearter) - øgede dermed den udtryksfulde palet, der blev brugt af bel canto-virtuoser. Dette førte til, at graden af dygtighed af sangeren ofte blev vurderet alt efter kompleksiteten af den koloratur, han udfører.

Italiensk musikkultur stillede høje krav. Stemmerne fra berømte sangere blev kendetegnet ved deres skønhed og klangrigdom. Vok altræning hjalp med at forbedre præstationsteknikken, opnå jævnhed og flydende lyd i alle områder.

Første udestuer

Efterspørgslen efter bel canto førte til dannelsen af de første uddannelsesinstitutioner, der uddannede sangere. Børnehjem - konservatorier - blev de første musikskoler i middelalderens Italien. Bel canto-teknikken blev undervist i dem på grundlag af efterligning, gentagelse efter læreren. Dette forklarer det høje uddannelsesniveau af datidens sangere. De studerede jo hos anerkendte mestre som Claudio Monteverdi (1567-1643) eller Francesco Cavalli (1602-1676).

Eleverne blev sammensat særlige øvelser til udvikling af stemmen, solfeggio, som skulle gentages, forbedre sangteknik og udvikle vejrtrækning - færdigheder så nødvendige for bel canto. Dette førte til, at efter at have begyndt at træne i en alder af 7-8, i en alder af 17, dukkede professionelle performere til operascenen op fra konservatoriets vægge.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Med sit udseende forudbestemte italienske bel canto udviklingstendensen for operamusikalsk kultur i de næste tre århundreder. En milepæl i dens udvikling var den italienske komponist G. Rossinis arbejde. Den rytmiske energi, glans og mobilitet i vokaldelene krævede af de optrædende en rig klangvariation, virtuositet ogenestående sangskole. Selv sang-arierne og recitativerne i Rossinis kompositioner krævede fuld dedikation.

Rossinis melodiske banede vejen for den klassiske bel canto, kendetegnet ved fuldstændigheden af fraser, blid og luftig ren, fritflydende glat melodi (cantilena) og sensuelt sublim glød. Det er bemærkelsesværdigt, at komponisten selv kendte til kunsten at synge på egen hånd. Som barn sang han i kirkekoret, og i voksenalderen helligede han sig udover at komponere entusiastisk sangpædagogik og skrev endda flere bøger om dette emne.

Pædagogik

Italiensk operasang, som blev et symbol på den europæiske musikkultur i det 17.-19. århundrede, dukkede op takket være arbejdet fra begavede innovative lærere, som studerede vokal og eksperimenterede med den menneskelige stemme og bragte dens lyd til perfektion. De teknikker, der er beskrevet i deres skrifter, bruges stadig i forberedelsen af sangere.

Ikke en eneste detalje undgik lærernes opmærksomhed. Eleverne forstod hemmelighederne bag fri og let syngende vejrtrækning. Vok altræningen forudsatte en moderat lydstyrke, korte melodiske fraser og smalle intervaller, hvilket gjorde det muligt at bruge taleåndedræt, kendetegnet ved en hurtig og dyb vejrtrækning efterfulgt af en langsom udånding. Der blev udviklet øvelseskomplekser til træning af homogen lydproduktion i høje og lave registre. Selv træning foran et spejl var en del af træningsforløbet for nybegyndere - overdrevne ansigtsudtryk og et anspændt ansigtsudtryk forrådte krampagtigt arbejdestemmeenhed. Det blev anbefalet at holde sig løs, stå lige og ved hjælp af et smil for at opnå en klar og tæt lyd.

Nye sangteknikker

Komplekse vokalpartier, dramaturgi og teaterforestillinger stillede svære opgaver for sangerne. Musikken afspejlede karakterernes indre verden, og stemmen blev en integreret del af det samlede scenebillede. Dette kom tydeligt til udtryk i operaerne af G. Rossini og G. Verdi, hvis værker markerede fremkomsten af bel canto-stilen. Den klassiske skole anså det for acceptabelt at bruge falset på høje toner. Dramaturgien afviste dog denne tilgang - i den heroiske scene trådte den mandlige falset i æstetisk dissonans med handlingens følelsesmæssige farvning. Den første til at overvinde denne stemmetærskel var franskmanden Louis Dupre, som begyndte at bruge lydproduktionsmåden, som etablerer fysiologiske (indsnævring af strubehovedet) og fonetiske (sprog i den "Y-formede" position) mekanismer til beskyttelse af vokalen. apparat og senere kaldet "overdækket". Det gjorde det muligt at danne den øvre del af lydområdet uden at skifte til falset.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Ved at gennemgå opera-vokalkunst er det utænkeligt at ignorere den store italienske komponist G. Verdis figur og kreative arv. Han transformerede og reformerede operaen, introducerede plotkontraster og modsætninger. Han var den første af komponisterne, der tog aktiv del i udarbejdelsen af plot, scenografi og produktion. I hans operaer dominerede tesen og antitesen, følelser og kontraster rasede, forenedeverdslig og heroisk. Denne tilgang dikterede nye krav til vokalister.

Komponisten var kritisk over for koloraturen og sagde, at triller, nådetoner og gruppettoer ikke er i stand til at blive grundlaget for en melodi. Der er næsten ingen dekorative dekorationer i kompositionerne, kun tilbage i sopranpartier og senere helt forsvundet fra operapartiturer. De mandlige dele i klimaksene blev flyttet til det øvre register ved hjælp af den "overdækkede lyd", som allerede er beskrevet tidligere. Udøverne af barytondelene blev tvunget til at genopbygge vokalapparatets arbejde fra en høj tessitura (højde arrangement af lyde i forhold til sangområdet), dikteret af afspejlingen af karakterernes følelsesmæssige tilstand. Dette førte til fremkomsten af et nyt udtryk - "Verdi baryton". Værket af G. Verdi, 26 smukke operaer iscenesat på La Scala, markerede den anden fødsel af bel canto - kunsten at mestre stemmen bragt til perfektion.

Verdenstur

Den lette og yndefulde vokalstil kan ikke holdes inden for én stats grænser. Det meste af Europa faldt gradvist under hans fortryllelse. Smuk sang erobrede verdensteaterscenen og påvirkede udviklingen af den europæiske musikkultur. Der blev dannet en operaretning, som fik navnet "belkanta". Stilen rykkede grænserne for sin anvendelse og trådte ind i instrumentalmusikken.

Den virtuose melodi af F. Chopin (1810-1849) syntetiserede polsk folkepoetik og italiensk opera bel canto. De drømmende og blide heltinder i operaerne af J. Masnet (1842-1912) er fyldt med belcanth charme. Stilens indflydelse viste sig at være så stor, at dens indflydelse på musikken blev virkelig storslået, og strakte sig fra klassicisme til romantik.

Forbinder kulturer

Den store komponist M. I. Glinka (1804-1857) blev grundlæggeren af russiske klassikere. Hans orkestrale forfatterskab - sublimt lyrisk og samtidig monument alt - er fyldt med melodi, hvor både folkesangtraditioner og italienske ariers belkante sofistikering er synlige. Den cantilena, der var ejendommelig for dem, viste sig at ligne melodiskheden af udstrakte russiske sange - sandfærdige og udtryksfulde. Melodiens overvægt over teksten, sange mellem stavelser (syngende accentuering af individuelle stavelser), talegentagelser, der skaber melodiens længde - alt dette i M. I. Glinkas (og andre russiske komponisters) værker var forbløffende harmonisk kombineret med traditionerne for italiensk opera. De dvælende folkesange fortjente ifølge kritikere titlen "Russian bel canto".

I stjernernes repertoire

Den geniale æra med italiensk bel canto sluttede i 1920'erne. De militære og revolutionære omvæltninger i det første fjerdedel af århundredet overstregede den normative essens af romantisk operatænkning, den blev erstattet af nyklassicisme og impressionisme, modernisme, futurisme og andre opdelt i retninger. Og alligevel holdt de berømte operastemmer aldrig op med at vende sig til mesterværkerne af italiensk klassisk vokal. Kunsten at "smuk synge" blev glimrende mestret af A. V. Nezhdanov og F. I. Chaliapin. Den uovertrufne mester i denne sangretning var L. V. Sobinov, som blev kaldt bel cantos ambassadør i Rusland. Den store Maria Callas (USA) og Joan Sutherland (Australien), hædret af kolleger med titlen "Århundredes stemme", lyrisk tenor Luciano Pavarotti (Italien) og uovertruffen bas Nikolai Gyaurov (Bulgarien) - deres kunst var baseret på kunstnerisk og æstetisk grundlag for italiensk bel canto.

Konklusion

Nye trends i musikkulturen har ikke formået at overstråle glansen af den klassiske italienske bel cante-opera. Lidt efter lidt opsøger unge kunstnere den information, der er bevaret i noterne fra mestrene fra tidligere år om korrekt vejrtrækning, lydproduktion, stemmeskulptur og andre finesser. Dette er ikke en ledig interesse. Det sofistikerede publikum har vækket behovet for ikke at høre en moderne fortolkning af klassiske værker, men for at kaste sig ud i det pålidelige midlertidige rum af upåklagelig sangkunst. Måske er dette et forsøg på at opklare mysteriet om bel canto-fænomenet - hvordan man i en tid med et forbud mod kvindestemmer og præferencer for et højt mandligt register kunne føde en sangretning, der overlevede århundreder og blev til et harmonisk system, der lagde grundlaget for uddannelsen af professionelle vokalister i flere århundreder.