Dyaghilevs russiske ballet: historie, interessante fakta, repertoire og fotos

2024 Forfatter: Leah Sherlock | [email protected]. Sidst ændret: 2023-12-17 05:31

"Hans absolut rene dyd var hans hengivenhed til kunst, der brændte med hellig ild," sagde den russiske balletstjerne T. Karsavina om Sergei Diaghilev.

Født i begyndelsen af det nittende og tyvende århundrede, formåede Sergei Diaghilev fundament alt at ændre ballettens koreografi, genoplive dens urokkelige kanoner og skabe en anderledes kultur af kostumer og kulisser. Det var med fremkomsten af Diaghilev, at konceptet "Diaghilevs ballet" og balletvirksomhed dukkede op i kunsten.

Russiske sæsoner i Europa

Historien om fremkomsten af "Russian Seasons" i Europa begynder i 1906. Det var på det tidspunkt, at Sergei Diaghilev, der forberedte en kunstudstilling til efterårssalonen i Paris, besluttede at afholde store arrangementer for at gøre den europæiske offentlighed mere bekendt med russisk kunst.

Først var det ideen om at holde "russisk historiskkoncerter", bragt strålende ud i livet. Koncerterne blev afholdt i 1907 og bestod af mesterværker af russisk musik fra det 19. og begyndelsen af det 20. århundrede. Og næste sæson, i 1908, blev M. Mussorgskys opera "Boris Godunov" vist i Paris med Fyodor Chaliapin i hovedrollen.

Den første opera- og balletsæson blev afholdt af Diaghilev i 1909.

Så begyndte triumftoget "Russian Seasons" i udlandet. Forestillingerne blev tilrettelagt efter princippet om en virksomhed, det vil sige ikke med en permanent trup af skuespillere, men med invitation af de bedste solister fra forskellige russiske teatre, de bedste kunstnere til at designe kostumer og kulisser til forestillinger.

Dette var en sand åbenbaring for teaterpublikummet i Paris. Indtil Første Verdenskrig blev sæsonerne afholdt årligt med overvældende succes.

Dyaghilevs ballet, fotoplakat for sæsonen 1911.

Oprindelse: familiens passion for kunsten

Sergei Diaghilevs fødselsdato - 31. marts 1872. Fødested: en landsby i Novgorod-provinsen kaldet Selishchi. Den fremtidige maestro dukkede op i familien til en arvelig adelsmand og officer Pavel Diaghilev.

Sergeys barndom gik først i Skt. Petersborg, og derefter flyttede familien til Perm, hvor familien Diaghilev boede, indtil deres søn dimitterede fra Perm-gymnasiet. Det gæstfrie hus Diaghilevs i Perm var dekoreret med originale graveringer af Raphael, Rubens og Rembrandt, kataloger fra alle de førende europæiske museer fyldt med bogreoler.

Litterære og musikalske aftener blev afholdt her. Sønnen fulgte medklaver til duet af far og stedmor. Kort sagt, ikke et hus, men centrum for kulturlivet i provinsen.

Den kreative og kreative atmosfære i huset bidrog til fremkomsten af en ægte trang til kunst, et ønske om at tjene muserne i den unge Sergei Diaghilev.

Petersburg-præstationer

I 90'erne af det 19. århundrede vendte han tilbage til Skt. Petersborg, hvor han fordybede sig i studiet af forskellige videnskaber: han kom ind på konservatoriet og det juridiske fakultet på samme tid.

En aktiv natur krævede dog flere spændende aktiviteter. I Skt. Petersborg fordyber Sergei Diaghilev sig fuldstændigt i hovedstadens kunstneriske liv og forsømmer jura og studier under Rimsky-Korsakovs vejledning.

De unges aktivitet og entusiasme gjorde en god gerning, hvilket gav den unge mand mulighed for at vise fremragende organisatoriske evner.

Set et ædelt mål - for at vise det interesserede publikum den nye russiske kunstneriske kunst, organiserer han adskillige strålende udstillinger af nutidige og dengang ukendte kunstnere. Retfærdigvis skal det bemærkes, at disse udstillinger ofte var anledning til vittigheder fra feuilletonister og vrede prædikener fra kunstkritikere.

Men snart, trods angrebene og latterliggørelsen, og måske takket være de skandaløse udstillinger, begyndte hele Petersborg at tale om Diaghilev.

Med støtte fra velkendte lånere Savva Morozov og Maria Klavdievna Tenisheva bliver han og kunstneren Alexander Benois redaktører af magasinet World of Art. Magasinets motto er "Kunst, ren og fri".

Dette motto i mange år bliver til Diaghilevog livsprincipper. Magasinets kunstnere omfattede Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov og andre berømte russiske kunstnere i fremtiden. Fremkomsten af et ægte hold af ligesindede, forenet af forlagsvirksomheden, beviste endnu en gang, at Sergei Diaghilev ikke er en tilfældig person i kunsten og er efterspurgt fra tiden selv.

Udgaven af magasinet "World of Art" var det første skridt mod fremtidens store "Russian Seasons". Fordi det var et projekt, der forfølger uddannelsesmål og dedikeret til både russisk og vestlig kultur, der samler alle moderne og nutidige kunstformer.

"Russian Seasons" og "Russian Ballet": hvad er forskellen

Før vi taler videre om Diaghilevs russiske ballet, er det nødvendigt at adskille begrebet "Russian Seasons" fra begrebet "Russian Ballet" i den forstand, som Diaghilev forstod disse områder af russisk kunst.

For Sergei Pavlovich Diaghilev fandt "Russian Seasons", som et nyt fænomen i kunsten, sted eller begyndte i 1906, det var af dem, som ved milepæle, at han målte sine aktiviteter, fejrede deres jubilæer, viste årstidernes numre på plakater.

"Russian Seasons" omfattede kunstudstillinger, koncerter, opera og senere ballet.

Fænomenet "Dyaghilev's Russian Ballet" er forbundet med balletvirksomhed og fremkomsten af usædvanlige balletforestillinger, etuder og numre - som en del af programmerne "Russian Seasons", der startede i 1909.

Officielt fandt den første opførelse af "Den Russiske Ballet" sted i april 1911 i Monte Carlo, denne dato betragtes som fødselsdatoen for traditionen med at vise ballet i udlandet.

In the Talent Fellowship

Triumfen i den første sæson af Diaghilevs russiske ballet i 1909 var forudbestemt: det fælles arbejde og indsats fra mange talentfulde og endda geniale mennesker kan ikke gå til spilde.

Da S. Diaghilev besluttede sig for at begynde at forberede sig til sæsonen, bad han om assistance fra datidens russiske ballets primater - Matilda Kshesinskaya. Hun var tæt på det kejserlige hof. Den fremtidige kejser Nicholas II, stadig single på det tidspunkt, var forelsket i hende. Takket være ballerinaens indsats blev Diaghilev lovet et stort tilskud på 25.000 rubler og mulighed for at afholde øvelser i Eremitagen.

Målet for Diaghilev og et hold af ligesindede var ikke enkelt: at skabe en kvalitativt anderledes ballettype, hvor en særlig rolle skulle tildeles mandlige dele, kostumer og kulisser. I et forsøg på at opnå "enheden af kunstnerisk forestilling og udførende færdigheder" involverede Diaghilev bogstaveligt t alt alle fremtidige deltagere i diskussionen af produktionsmaterialet: komponister, kunstnere, koreografer … Alle sammen kom de med plots, diskuterede arten af musik og dans, fremtidige kostumer og kulisser. Resultatet er en unik syntese af innovation og professionalisme inden for koreografi, maleri, musik.

Samtidig begynder Diaghilev at rekruttere en trup, hvor han inviterer de bedste balletdansere fra Mariinsky- og Bolshoi-teatrene. Reagerede på invitationen fra iværksætteren: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mikhail Fokin med sin kone Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mikhail Mordkin og andre dansere.

Kostume- og scenografer: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

"Russian Seasons" Diaghilev, ballettrup backstage.

"Sæsonbestemte" forhindringer

Ikke alt gik glat, da man forberedte de første balletforestillinger til de russiske sæsoner.

Midt under øvelserne kom der et forbud mod fortsat at holde dem i Eremitagen, og tilskuddet blev også lukket. Det sidste kogepunkt var Mariinsky Theatres afvisning af at levere kostumer og kulisser.

Der var flere årsager, der forårsagede næsten afslutningen af arbejdet med "sæsonerne". Først døde prins Vladimir Alexandrovich, Diaghilevs protektor. Og for det andet blev Matilda Kshesinskaya stødt af iværksætteren, fordi hun fik en mindre rolle i balletten "Pavilion of Artemis" i stedet for de forventede hovedroller.

Diaghilev var i øvrigt fast ved at vælge de ledende skuespillere til hovedrollerne, dette er en stor "vision" af kunstneren, når alle kunstnerens nuværende eller tidligere fortjenester i denne sammenhæng viste sig at være magtesløs. Der var en lignende historie i sæsonen, hvor "Den døende svane" blev vist til musik af den dengang ukendte komponist Saint-Saens. I første omgang involverede koreografen Mikhail Fokine sin kone Vera Fokina i dansen, men Diaghilev sagde, at han kunne danse svanenkun Pavlova. Som et resultat modtog verden i flere årtier en fantastisk udtryksfuld dans fremført af Anna Pavlova, og impresarioet viste sig som altid at have ret.

Dyaghilevs ballet i Paris: Anna Pavlova som en såret svane. Maveområdet på ballerinakostumet er dekoreret med en enorm rubin, der symboliserer blod fra et sår.

Fjer på kostumet og hovedbeklædningen er naturlige, svanelignende.

Dyagilevs ballet: kostumerne til forestillingerne var dekoreret med naturlige juveler, broderet med mønstre. Forskellige naturlige materialer blev også brugt i udsmykningen.

Når vi vender tilbage til historien om forberedelserne til åbningen af Diaghilev Russian Ballet i 1909, må vi også huske det faktum, at direktøren for alle de kejserlige teatre, Telyakovsky, skabte yderligere forhindringer. Faktisk gav kombinationen af vanskeligheder, der opstod, en bragende fiasko for russiske sæsoner.

Men fiaskoen fandt ikke sted: Diaghilev blev hjulpet af gamle venner og lånere. Prins Argutinsky-Dolgorukov og grevinde Maria (Misya) Sert hjalp med finansieringen ved at rejse de nødvendige penge.

Paris klapper: publikum i ekstase

Diaghilev-balletten ankommer til Paris i april 1909. Scenen i det berømte Châtelet Theatre blev lejet til at vise forestillinger. Ved ankomsten blev der sat gang i arbejdet med at forberede teatret til modtagelse af nye forestillinger og kulisser:

• scenen blev forstørret;
• opdateret interiør;
• kasser er arrangeret i boderne.

De sidste prøver var i gang. Tid, lyst og mulighed faldt sammen. MichaelFokine introducerede sine egne ideer om koreografi i balletten, som svarede til Diaghilevs ideer.

Repertoiret fra 1909 omfattede fem balletter iscenesat af nybegynderkoreografen Mikhail Fokin:

• "The Pavilion of Armida" er en forestilling i én akt og tre akter; manuskriptet og designet baseret på det er skrevet af Alexander Benois, musik af Nikolai Tcherepnin; delen af Madeleine og Armida blev udført af V. Coralli, Vicomte de Beaugency af M. Mordkin; Armidas slave blev danset af V. Nijinsky.
• "Polovtsian Dances" er balletdelen af operaen "Prince Igor" til musik af Borodin, hvor balletfragmentet tog form af en selvstændig 15-minutters forestilling; scenografi af N. Roerich, kunstner Adolf Bolm, Sofya Fedorova 2., solist fra Mariinsky Theatre E. Smirnova.
• "Feast" er et divertissement til musik af nationale danse komponeret af russiske komponister - Glinkas mazurka, Mussorgskys "Gopak", Rimsky-Korsakovs march fra "Den gyldne hane", Glinkas lezginka, Glazunovs chardash; "Feast" afsluttede fremvisningen af Diaghilevs russiske ballet, og dens formål var at vise publikum hele truppen i de mest spektakulære og karakteristiske danse. Festen sluttede med et stormfuldt uddrag fra Tjajkovskijs anden symfoni. Alle stjernerne dansede padekatre sammen, det var en triumf for kunstnerne.

Strålende efterfølger

De første tre forestillinger blev vist den 19. maj, og den 2. juni 1909 fandt premieren på forestillingerne sted: "Sylpherne" og "Cleopatra".

Visningen af balletten "La Sylphides" eller "Chopiniana" fandt sted med deltagelse af TamaraKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky til musik fra værker af Chopin, arrangeret af D. Gershwin, orkestreret af A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

Kostumerne er designet af Leon Bakst baseret på litografier af den italienske ballerina Maria Taglioni, berømt i det 19. århundrede som Sylfen.

Forestillingen blev modtaget med entusiasme, og maleriet af Serov, baseret på forestillingens indtryk med billedet af Anna Pavlova, vil blive kendetegnende for Diaghilevs ballet i mange år.

Cleopatra

Forestillingen baseret på historien om Theophile Gauthier har gennemgået en betydelig modernisering. Mikhail Fokin introducerede i den nye musikalske udgave, udover Arenskys musik, værker af Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Resultatet er en tragisk afslutning med danse, der udtrykker ægte lidenskab og sorg.

Leo Bakst lavede sketches til nye scener og kostumer. Det antikke Egyptens magi, musik og dansere retfærdiggjorde fuldt ud publikums forventninger med den usædvanlige optræden.

Handlingen fandt sted i templets gårdhave mellem de røde statuer af guderne, baggrunden var Nilens storslåede skinnende vand. Publikum blev betaget af sensualitet og udtryksfuldhed i produktionen og den ledende dame Ida Rubinstein.

På billedet: Diaghilevs russiske ballet, L. Baksts maleri til dansen af Kleopatras "syv slør".

Den berømte franske forfatter og dramatiker Jean Cocteau skrev, at man kort kan karakterisere Diaghilevs russiske ballet som følger: “Dennefejring over Paris, der skinner som "Dionysos vogn."

Så det er gjort og geni alt.

Opgaver og stil

Der var mange succeser, op- og nedture undervejs i Diaghilevs sæsoner. Men det var en levende organisme i konstant udvikling. Ønsket om noget nyt, søgen efter det hidtil usete kunst - det er resultaterne af den store impresario.

Sergei Leonidovich Grigoriev, den permanente direktør og administrator af truppen, mente, at Diaghilevs balletter også udviklede sig under indflydelse af koreografer.

Liste over koreografer, der skabte nye stadier i udviklingen af balletkunst:

• Kreativitetens tid i M. M. Fokins virksomhed, som begynder i 1909 og fortsætter indtil 1912, også med hans deltagelse blev produktioner fra 1914 skabt. Mikhail Fokin lykkedes med at ændre den klassiske koreografi, fremhæve de mandlige balletpartier som nye danseformer og berige dansens plasticitet.
• Den anden periode i udviklingen af "russisk ballet" er årene for V. F. Nijinskys værk, fra 1912 til 1913, 1916. Det er svært at undervurdere oplevelsen af en danser og koreograf i forsøget på at skabe en ny ballet fuld af følelser, følelser og fantastisk teknik.

Dyagilev Ballet, foto af solist og koreograf Vaslav Nijinsky.

• Næste fase i introduktionen af innovationer inden for balletkunst var tiden for L. F. Myasins arbejde i Diaghilev-truppen og dækker perioden fra 1915 til 1920, 1928. Myasin, der udviklede traditionerne fra Fokine, komplicerede dansemønstret så meget som muligt og introduceredeknuste linjer, prætentiøsitet og sofistikerede bevægelser, mens du skaber din egen unikke stil.
• Det fjerde udviklingstrin på udviklingen af den russiske ballet Diaghilev var Bronislava Nijinskas kreativitetsperiode, startende fra sæsonerne 1922 - 1924 og 1926. Dette er tiden for den neoklassiske balletstil.
• Og endelig er det femte udviklingstrin årene med arbejdet med Diaghilev George Balanchine fra 1924 til 1929. De år, hvor koreografen formåede at etablere nye former for det 20. århundrede, ideerne om symfoniballetter, idé om udtrykkets forrang over plottet.

Men uanset hvem der var instruktør, beholdt Diaghilevs russiske ballet friheden til at søge, var et symbol på avantgarde og innovative løsninger inden for kunst, en forudanelse om tidens tendenser.

I årtier vil han forblive en ufanget, fri og eftertragtet Firebird.

Et folkeeventyr eller en ny triumf for Diaghilevs ballet i Paris

Når vi taler om de eventyrmotiver, der udgør mange plot af forestillinger opført på scenerne i Frankrig, kan man ikke andet end at huske den mest succesrige premiere i 1910.

Dette er en produktion med temaet historien om Ildfuglen, hvis idé blev næret af Mikhail Fokin i lang tid. Først blev Lyadov beordret til at skrive musik, men da han ikke begyndte at skrive den selv efter tre måneder, besluttede Diaghilev at henvende sig til Stravinsky, som han betragtede som det nye geni inden for russisk musik.

Komponisten, koreografen og kunstneren arbejdede tæt sammen i processen med at skabe balletten, hjælpe hinanden og dele kreative råd. Det var en fagforening, der gav scenen en ny ballet, blandet med modernistisk maleri,folklore og avantgardemusik. Smukt landskab af Alexander Golovin førte seeren ind i en eventyrverden.

Det unikke var, at Diaghilevs nye ballet, kostumer til den var dekoreret med guld og juveler, broderet med folkelige ornamenter og pels.

Medvirkende: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Bulgakov - Koschei.

Takket være balletten "Firebird" lærte verden den store russiske komponist Igor Stravinsky at kende, som i de næste 18 år vil samarbejde med Diaghilev og skabe virkelig fantastisk musik til balletterne "Petrushka", "The Rite of Spring" og andre.

Dyagilevs ballet: ildfugl, kostumedesign til balletten, kunstner L. Bakst.

Den skandaløse fiasko af "Parade"

Som enhver stor kunstner underordnede Diaghilev alt idéen om innovation, han var ikke bange for at være "for tidligt" for at gå imod strømmen.

Mange balletforestillinger var nogle gange så avantgardistiske inden for musik, koreografi eller maleri, at de blev misforstået af publikum, og deres betydning blev værdsat meget senere.

Sådan var det med den skandaløse fiasko af premieren i Paris af "The Rite of Spring" til Stravinskys musik, med den uhyrlige koreografi af "Faun" af Nijinsky, den første opførelse af balletten "Parade" ventede på fejlen.

Balletten blev opført i 1917. I forbindelse med forestillingen betød ordet "parade" en invitation til barkere og fair gøglere før forestillingen, der invitererpublikum i cirkusboden. I form af annoncer viste de publikum små uddrag fra den forestilling, der venter dem.

Dette er en enakters ballet til musik af Enrique Satie, scenograf og kostumedesigner Pablo Picasso, manuskript skrevet af Jean Cocteau, koreograf Leonid Myasin.

På billedet: kostumer til balletten "Parade", Diaghilev med en ny produktion i Paris.

Nogle af Picassos kubistiske kostumer tillod kun danserne at gå rundt på scenen eller lave mindre bevægelser.

Den parisiske offentlighed betragtede kubisme som en tysk skabelse inden for kunst. Og siden Første Verdenskrig stod på, blev forestillingen opfattet som en hån og en udfordring. Publikum råbte "Damn boshi!" og skyndte sig ind i kampen til scenen. I pressen blev den russiske ballet erklæret nærmest forræder mod frihedstankerne.

På trods af den første skandaløse optræden blev denne ballet en overgangsmilepæl i det 20. århundredes kunst, både inden for musik og scenemaleri. Og Satis ragtime-musik blev senere tilpasset til en klaversolo.

Den sidste turné og nogle interessante fakta fra den russiske ballets liv

Sergei Diaghilev betragtes med rette som en af grundlæggerne af russisk showbusiness. Han legemliggjorde ikke kun alle tidens trends på scenen, men banede også vejen for nye teknikker og stilarter på andre niveauer: i maleri, musik, scenekunst.

Hans "Russian Seasons" inspirerer stadig kreative mennesker til at finde nye måder til kunstnerisk udtryk for tiden.

Særlige præstationer og fakta omDiaghilev russisk ballet:

• Der var 20 "Russian Seasons" i alt, hvor ballet var involveret. Selvom Diaghilev oprindeligt ikke havde planer om at inkludere balletforestillinger i koncertprogrammet.
• Til iscenesættelsen af det otte minutter lange balletnummer "Afternoon of a Faun" dirigerede V. Nijinsky i alt 90 danseprøver.
• S. Diaghilev var en ivrig samler. I 1929 erhvervede han breve fra A. Pushkin adresseret til N. Goncharova i sin samling. De blev overdraget til ham, inden de tog afsted på en rundvisning i Venedig. Impresarioen kom for sent til toget og udsatte læsningen af brevene et stykke tid efter rundvisningens afslutning, hvilket lagde samler-sjældenhederne i pengeskabet. Men han vendte aldrig tilbage fra Venedig.
• De sidste til at se Diaghilev var Misya Sert og Coco Chanel. De kom for at besøge ham under hans sygdom. De bet alte også for hans begravelse, da Diaghilev ikke havde nogen penge med sig.
• Monumentet til Diaghilev i den ortodokse del af kirkegården i San Michele er indgraveret med en sætning skrevet af den store impresario et par dage før hans død: "Venedig er den konstante inspirator for vores beroligelse."
• Igor Stravinsky og Joseph Brodsky er begravet nær S. Diaghilevs grav.